MADRE! (maravilloso desconcierto)

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Aronofsky ha revolucionado la cartelera con este film, le han llovido críticas de toda índole, desde auténticos misiles de destrucción, hasta los elogios más motivadores.

SINOPSIS:

A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado. Poco a poco el comportamiento de su marido va siendo más extraño, y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo.

Es difícil catalogar esta película, no se trata de una cinta de terror, pero eso estaba claro, Darren no es un director comercial, y más sabiendo que sus intenciones eran claras tras “Noah” (2014), donde su sello independiente se difuminó ante tanto efecto especial.

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No podría hacer una crítica objetiva sobre esta cinta por el simple hecho de ser un admirador de su cine. La vi el viernes y aun sigo flipando… es una cinta que en un principio no me terminaba de convencer, pero ahora que la he podido medio asimilar, me empieza a fascinar.

He tenido que leer entrevistas a su director porque no conseguía ver con nitidez que quería decir, y es que la película en si es una metáfora por completo. Tras averiguar que habla de la Biblia, del Génesis, y mezcla la egolatría, el fanatismo religioso –es lo único que sacas en claro por si sólo – la chispa se enciende y comienza a llamarte la atención para revisarla y comprenderlo todo.

Aronofsky mueve la cámara a hombro y nos marea por toda la casa sin despegarla del primer plano de las caras de sus personajes. A medida que entran en escena más personajes, la cámara comienza a dar algo de aire, pero no te deja oxigenarte bien, te agobia, te tensa, te hace sentir mal…

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La fotografía es de nuevo muy fría, como en Cisne Negro (Black Swan

2010) o su debut en “PI, Fe en el caos” (Pi: Faith in Chaos – 1998), mucho grano, y desenfoques de un celuloide maltratado, que induce mal estar… y es que a su director le encanta elegir el formato con el que se va a rodar, o buscar el etalonaje perfecto para lo que quiere hacer sentir, no deja nada al azahar.

No quiero desvelar nada, no pretendo hacer una crítica, pues no me veo capacitado para ello. Tan solo quiero dejar constancia de mis impresiones, la cual, en el momento del visionado me dejó estupefacto, desconcertado, y que ahora, un día y medio después, florece un interés y una admiración que pocas cintas han conseguido darme.

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SILENCIO DESDE EL MAL (inducción al sopor)

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James Wan es sin duda uno de los realizadores de cine de terror del momento desde que se dio a conocer con la versión en largometraje de su corto “SAW” (2004), y hasta la fecha sigue manteniendo su estatus más bien sin altibajos. ¿Pero cual fue su segunda película tras el fenómeno taquillero de “SAW”?

Pues su segundo largometraje fue “Silencio desde el Mal” (Dead Silence – 2007), una película que no estuvo a la altura de su opera prima, y probablemente de ninguna otra.

SINOPSIS:

Un joven viudo (Kwanten) regresa a su hogar para investigar el asesinato de su mujer. Allí descubre la leyenda de Mary Shaw, una ventrílocua que pidió ser enterrada junto a sus 101 “muñecos”. Uno de ellos parece haber vuelto de la tumba, y no precisamente con buenas intenciones…

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El argumento ya es un poco desalentador, pero la película lo es más si cabe.

La cinta se alimenta de cuatro personajes básicamente, de los cuales, el detective que interpreta Donnie Wahlberg está mal construido, sobre-interpretado, y con un guiño bastante lamentable a “Seven” (1996)  desde el minuto uno, y haciendo hincapié en el plano fijo donde corre de la cafetería hasta el coche bajo la lluvia, y se rasca la cabeza con el peculiar estilo de Brad Pitt en dicho film. Todo esto te saca bastante de la película nada más arrancar.

Pero da lo mismo, porque incluso obteniendo un poco de “The Ring” (2002), y utilizando el mismo método de asesinato extraño y macabro donde las víctimas quedan con un aspecto muy singular, esto no es suficiente para enganchar al espectador con buen anzuelo. Wan utiliza su estilo de movimiento de cámara, y su sello identificativo con una ambientación que auguraba ya un claro “INSIDIOUS” (2010), pero se quedaba cojo en cuanto a guión, pues es bastante pobre y no llega a seducir al público más exigente.

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Parece que de nuevo dejaba el truco final para el desenlace, donde hace uso de un montaje idéntico a “SAW”, sacando un conejo de la chistera muy parecido y con el mismo propósito, pero no es suficiente para compensar los eternos 80 minutos que hemos dejado atrás viendo una cinta lenta, sin emociones, y muy fría.

Un segundo film desacertado, que pronto supo enderezar. Esto pasa hasta en las mejores familias.

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ANIMALES NOCTURNOS (intensa)

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Tom Ford nos deleita en su segundo film con una historia agónica donde el sufrimiento llevado por el camino de la impotencia se intensifica a medida que avanza la cinta.

SINOPSIS:

Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida llena de lujos, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un día Susan recibe una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Es de noche. Susan, sola en la cama, empieza a leer, y es la historia de un  matrimonio con una hija que conduciendo por Texas una noche son perseguidos por otro vehículo… 

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La historia cabalga entre los paralelismos de la novela que Edward Sheffield  (Jake Gyllenhaal) escribe sobre el ataque de unos red necks en mitad de la nada en Texas, y la vida que tuvo con su mujer (Amy Adams). Una vida que oculta algo turbio que de alguna forma rompió la confianza  y el lazo de amistad que aun quedaba entre ellos.

Lo destacable de la cinta es la narración de la novela. Unos personajes deleznables que en ningún momento traspasan la línea de la sobre-interpretación (difícil en personajes de este calibre), y que es llevado a cabo con maestría, mostrando un altibajo de sensaciones que ponen a los malhechores en una montaña rusa sin saber bien por donde tiran… despistando e intensificando la secuencia de la carretera hasta resultar verdaderamente incomoda.

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Tal vez el único inconveniente sea que la narración se ve interrumpida  constantemente con la vuelta a la realidad de Susan, y esto llega a  frustrar el gran ritmo de la novela, llegando a ser un poco irritante.

La cinta es muy intensa y está muy bien interpretada por todos sus actores, y por supuesto bien dirigida. Por un Tom Ford que promete.

IT (un drama social con un payaso de por medio)

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Ayer pude ver IT, la renovada película en la que Andres Muschietti a puesto la batuta.

Las expectativas durante toda la promoción han sido impecables, la crítica la ha puesto por las nubes, y todo el mundo parece haber disfrutado mucho con este film.

En la sala había muchísimos adolescentes, y es que la cinta está enfocada sobre todo a chavales, aunque por supuesto, también contaban con los “chavales de 40 años” que se acercaban a ver como era ahora el payaso que de niños les acojonaba sobremanera.

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En fin, mi visión es bastante objetiva puesto que a mi la versión original de “IT” no me fascinó. Yo era era más de Freddy, y la verdad es que nunca me llamó la atención esta historia de Stephen King, porque en aquella época, y excluyendo “El Resplandor”, por lo general las adaptaciones eran penosas hasta para un chaval de 12 años.

Al grano, desde mi punto de vista, y teniendo en cuenta que no soy un fanático revenido que se inmolaría entre los infieles del cine de terror más convencional, la película me ha parecido una montaña rusa que sube y baja entre el drama social, “Los Goonies” y el cine de terror ochentero como pueda ser Pesadilla en Elm Street, a la cual hacen un guiño. Es evidente que se trata de la pre-cuela, y lo dejan bien claro al finalizar el film, por lo que quienes sean admiradores de la primera versión lo disfrutarán más.

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Bueno, continuo. A decir verdad me sobraba la trama de Pennywise, digamos que me enganchaba a las tramas de los chavales que descubrían unas vidas frustradas por culpa de sus padres… Un chico al que su madre obesa y descuidada le hace creer que es un enfermo y que la calle está llena de gérmenes y enfermedades… una chica que sufre acoso sexual por parte de su padre… un chico con problemas de comunicación debido a su tartamudeo… otro que debe enfrentarse a la vida que le espera sacrificando ovejas y ser como la figura de su padre a la que él rechazaba…. el típico niño obeso que sufre bullying…. un adolescente que está desarrollando una psicopatía por culpa de su padre… Una maravilla de tramas que su director nos presentaba sin llegar a desarrollar por culpa de una trama que a mi, particularmente, me aburría, la del payaso Pennywise.

Lo sé, ahora mismo debo estar cabreando al público más acérrimo al terror circense (nunca mejor dicho), pero es mi punto de vista, tampoco hay que tomarlo muy a la defensiva.

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La duración es excesiva, y también se mete de cabeza en tópicos que a día de hoy no funcionan ni como reclamo a generaciones anteriores… los enamoramientos entre adolescentes, y las largas escenas de conversación banales y aburrida que se traen entre ellos.

Está claro que han querido meter la tónica del cine de aventuras ochenteras que tan bien a funcionado en la serie “Stranger Things”, que de algún modo se ha encajado bien en esta película. Tal vez por culpa de eso, la trama del payaso asesino se diluya con tanta facilidad.

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PARADA EN EL INFIERNO (un western macabro)

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Tengo que reconocer antes de nada que esta crítica la hago desde un punto plenamente subjetivo, pues tanto Matellano es amigo desde hace años, como también el hecho de conocer las localizaciones, incluso haber rodado en alguna de ellas un cortometraje, me puede resultar tan familiar como desconcertante en el resultado final de mi interpretación hacia la película.

Bien, “Parada en el Infierno” es un western con tintes de cine de terror, e influencias del director al que en algunas ocasiones dedica sus guiños y sus homenajes como cualquier director amante del celuloide que se precie.

SINOPSIS:

En una parada de diligencia en el Lejano Oeste, la inesperada visita de un hombre llamado ‘Coronel’, cambiará su vida pacífica y afable.

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Me hubiera gustado verla en versión original, pero el pre estreno conlleva mostrar la película tal y como se va a proyectar en salas, por lo tanto, y como en otras ocasiones he mantenido, siempre mi crítica estará algo desacertada hasta ver el producto original en su más puro estado.

La cinta muestra a una panda de mal nacidos que se dedican a hacer el mal por diversión, a lo más puramente “La Naranja Mecánica” (A Clockwork Orange – 1971), llevando la primera secuencia al desagrado más absoluto, con una violación a una niña que te hace sospechar que Matellano no se va a andar con tonterías, y va a presentar la crudeza de la violencia sin titubear.

Los personajes son muy característicos, y enseguida descubres la referencia que de alguna manera su director a querido relacionar. Hablo de “La Matanza de Texas” (The Texas Chainsaw Massacre – 1974), donde incluso un o de los personajes más atolondrados lleva un nombre parecido al de “Cara de Cuero” en la segunda entrega, “Buba”, que en este caso es “Cuba”, un individuo grandote, medio retrasado y con una devoción por su jefe (Larry Tayles), que no deja lugar a duda en su parentesco.

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La familia de Tobe Hooper es de alguna forma recreada en el western por Matellano, donde los conduce a cometer todo tipo de salvajadas sangrientas, que llevó a abandonar la sala a algunas personas sensibles a la violencia explicita.

Víctor Matellano tiene en cuenta a los fans del cine de terror y a los fans del western, pero como siempre digo, mezclar dos géneros puede llevarte a perder ambos públicos.

La cinta se sostiene durante 90 minutos con mucho dinamismo, un buen ritmo que cesa en una escena intermedia donde se da lugar a un diálogo extenso y que tal vez pueda llevar al aburrimiento a quienes no son buenos amantes del cine tarantinesco, pero a partir de ahí, la acción, las peleas, y los tiros, reavivan el metraje dejando un buen disfrute hasta el final.

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En mi opinión se trata de una película distinta, atrevida y peligrosa en cuanto a aceptación del público se refiere. Una producción bien realizada, bien dirigida, y que no te dejará indiferente.

Está claro que si te gusta el cine de terror, la comedia negra, de alguna forma los tintes dramáticos, y sobre todo el western… no debes perdértela.

LAND OF MINE (crueldad humana)

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Cuando me disponía a ver la película pensé que iba a basar todo su guión en la tensión que provoca desactivar minas, pero a lo largo del film, entiendes que su director Martin Zandvliet, habla de otras cosas.

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La guerra no acaba cuando se firma la paz. Cuando Alemania se rindió en 1945, en la costa occidental danesa comenzó otra dura batalla: la de los jóvenes soldados alemanes que fueron obligados a retirar miles de minas plantadas en la arena por el ejército nazi. Zandvliet muestra el maltrato infligido a esos prisioneros, un oscuro episodio de posguerra poco conocido. 

Las guerras, las ideologías, los buenos y los malos no son realmente quienes creemos, hay algo mucho más trascendental que lo que se ve a simple vista.

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Martin Zandvliet escribe y dirige esta cinta con mano firme ante la lágrima fácil, manteniendo en el personaje del sargento Carl Rasmussen, interpretado magníficamente por Roland Møller, una línea entre el cariño y la disciplina muy delgada.

A mitad de la película puede dar la sensación de que estamos viendo un argumento muy parecido al de “Heidi”, el abuelo gruñón deja de serlo al ver el lado humano de sus muchachos, pero aunque las minas que deben desenterrar acaban de un plumazo con algunos de ellos, este se mantiene firma ante su cargo militar, y por un giro en el guión que no quiero desvelar, todo vuelve a cobrar vida incrementando así la tensión y la incertidumbre.

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Sin duda es toda una lección de honestidad, una cinta bien planteada de una manera muy minimalista, que acierta de lleno en lo que se quiere expresar.

Definitivamente me ha gustado mucho. La realización en conjunto me ha fascinado, la música melódica en los puntos de inflexión han sido fundamentales para respirar hondo y continuar viendo lo que ocurre. Una maravilla digna de su nominación a los Oscar por la mejor película de habla no inglesa.

CRUDO (sorprendente drama)

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¡Menuda sorpresa este film!

Julia Ducournau con tan solo 34 años consigue realizar su primer largometraje (tiene un corto y un telefilm a sus espaldas) que además sale de su puño y letra firmando el guión y dirigiendo con broche de oro.

SINOPSIS:

 Justine, una joven de 16 años, vive en una familia donde todos son veterinarios y vegetarianos. Es una estudiante brillante y prometedora, pero al ingresar en la facultad de veterinaria descubre un mundo decadente, despiadado y peligrosamente seductor. Durante la primera semana, obsesionada por encajar con sus compañeros de clase, se aleja de los principios que le han inculcado su familia, y come carne cruda por primera vez. Las consecuencias no tardan en llegar, y la joven empezará a desvelar su verdadera naturaleza.

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La cinta cuenta con numerosos premios y una crítica envidiable, y es que no es para menos. Nos encontramos con una película repleta de sorpresas donde se trata el problema de una joven interpretado por Garance Marillier, que descubre su tremenda adicción a consumir carne cruda, algo que según va pasando el tiempo se va tintando de muy oscuro hasta desatar su instinto animal, y su verdadera adicción a la carne humana.

Lejos de ofrecernos clichés de terror, la directora se centra en una atmósfera realista, ambientada en un colegio mayor donde la fiesta, las novatadas y los distintos personajes que allí habitan, completan un puzzle maravilloso para jugar con su transformación.

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CRUDO es sin duda una maravillosa sorpresa que además huye del formato de rodaje americano para dejar claro que se trata de una película europea, una cinta con personalidad y una forma de plantear el desarrollo con tanto ritmo, que cuando te quieres dar cuenta, ya ha terminado.

El final es bastante “creepy”, pero deja el listón alto, y no decepciona. Su manera de presentar el titulo del film tanto al principio como al final de la cinta, recuerda mucho a Gaspar Noé y su “Solo Contra Todos” (Seul Contre Tous – 1998), alguien del que aprender cuando se hace cine violento.

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Como digo es una de las sorpresas de 2016, aunque yo la haya descubierto en este año 2017.

Maravillosa, ya estoy esperando la próxima cinta de Julia Ducournau.