STEVE JOBS (patética)

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Me sorprende que Aaron Sorkin se haya basado en la Biografía que Walter Isaacson hizo minuciosamente de Steve Jobs durante su vida, y hasta escribir sus últimos pensamientos sentado a su lado en su lecho de muerte… me sorprende porque la película es un auténtico despropósito, un verdadero esfuerzo de conseguir el guión más vago y decepcionante que haya visto jamás en una adaptación.

Para quienes hemos leído la biografía del genio Steve Jobs, sabemos que la película es una bazofia infumable, que con la excusa de narrar en cuatro escenas lo que fue una vida increíble repleta de localizaciones, de viajes, de excentricismos, de obsesiones, de locura…. queda reducido a una obra de teatro lamentable que para quienes no sepan nada de la vida de Jobs, les deja como han venido.

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La primera película (Jobs – 2013) me pareció insulsa, quería abordar una vida impresionante en poco más de dos horas, y sinceramente, me decepcionó, pero al menos Joshua Michael Stern tuvo algo más de sensibilidad y mostró a un Steve Jobs más completo, dando a entender su filosofía hippie, sus esfuerzos por encajar sus ideas en una sociedad rancia, una especie de doctor House real, mucho más prepotente que el personaje de Hugh Laurie…  y sin miras de altos vuelos artísticos, que es lo que pretenden vendernos en este patético último film de Danny Boyle.

Creo que no sólo se necesita leer una historia para plasmarla en la pantalla, sino que se debe creer en ella, y está claro que Boyle tiene Windows en casa, porque la absoluta castaña que ha hecho es para mear y no echar gota.

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Ni siquiera pensó que el actor Michael Fassbender debiera parecerse al menos un poquito al personaje real, no nos entra por los ojos, no nos creemos nada de lo que nos enseña, y la actitud de Steve Jobs no se refleja ni por asomo a lo que narra la biografía original de Isaacson.

Para los amantes de Mac, para los que entendemos la filosofía de Apple y hemos leído con detenimiento las 744 páginas de la biografía, esta película no es más que una tomadura de pelo, una excusa para ganar dinero a costa de su figura, y ni eso han conseguido, es más, este estreno tuvo perdidas, por lo que dijeron las estadísticas, no fue a verla nadie, un desastre absoluto, y no es de extrañar… Steve Jobs aún espera que un buen director se haga cargo de su biografía.

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EL DESCONOCIDO (Luis Willis)

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Dani De La Torre debutó con este film en 2015, con un guión de Alberto Marini y con un reparto maravilloso, donde Luis Tosar volvió a recordarnos lo grande que es. Y es que este film, que aborda un argumento ya clásico en el cine, tiene el formato blockbuster hasta en el etalonaje… una película de puro entretenimiento que logra captar nuestra atención desde que Tosar sube al coche.

Lo malo es querer llevar el cine español a un estereotipo de familia americana, donde los niños se pelean durante el desayuno, el Sol entra alegremente por la ventana de la inmensa cocina, y donde los padres están muy ocupados con sus negocios… Este rollo ya no nos gusta ni en el cine yanqui, por lo que es obvio que en el nuestro tampoco.

A parte de estos detalles, la cinta cobra algo de interés cuando en los primeros minutos la llamada nos deja claro que el tipo va en serio demostrándolo con la explosión de su compañero en el coche, rodado dramáticamente y sin planos que nos retrotraigan a los años 90, que es lo que me temía yo antes de verla en mis primeros prejuicios.

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De La Torre se marca un plano secuencia para dejar constancia de que sabe, y puede hacer eso en su primer film, la secuencia donde la cámara va siguiendo a Elvira Mínguez, e interactúa con una inmensidad de actores perfectamente sincronizados, demuestra un trabajo atrevido, y nos da más esperanzas de que lo que veremos estará a la altura.

El guión cojea con algunas incoherencias, incluso dudamos si la policía es tan torpe de enviar a un individuo que dice ser su hermano y no comprobar el DNI (pero bueno miren lo que pasó en el día nacional de Francia con el tipo de la camioneta…) Bueno,  vamos dejando pasar todo porque realmente nos tiene enganchados. También Javier Gutiérrez deja plasmado su buen hacer en esta película, dando vida al pirado que le tiene en un sinvivir…   Tal vez el menos afortunado sea Fernando Cayo, que no llega a convencer con su personaje, está sobre-interpretado y le resta credibilidad a la cinta.

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Lamentablemente el final es un despropósito, y toda la crudeza de los acontecimientos, toda su veracidad se pierde con un final típico de película de acción de los 90 con un salto al agua que les habría explosionado sí o sí, y que Tosar resuelve sin problemas colocando una sillita de niño bebé encajada entre el volante y el asiento (o como sea) y todo esto con la presión del agua haciendo flotar todo lo que estuviera dentro del coche sin excepciones.

Lamentable final para una película que se habría resuelto muy bien sin estúpidos happy end. Y si no había mejor final que el de la acción a lo Bruce Willis, al menos que los dos murieran en el choque contra el agua…

En fin, una pena, una película interesante en su genero, pero que no ha sabido abstenerse a los finales míticos de blockbuster.

SALLY MENKE (la cara oculta de Tarantino)

 

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En el cine el montaje es algo plenamente primordial, es tan importante como el rodaje, pues será el responsable de que la historia cuadre con lo que el director tenía mientras rodaba.

Por lo general los directores no editan su material, pero hay casos donde si que lo hacen, como es el caso de Robert Rodríguez o Javier Fesser, quienes se ponen manos al teclado para terminar lo que empezaron.

Por otra parte están los directores que permanecen al lado del editor para hacer exactamente lo que quieren, sin dar rienda suelta a la mente del editor, que funciona como una extensión de su mente, realizando al milímetro aquello que le pide a tiempo real sentado en una silla a su lado.

Otros directores mandan el material a los estudios y lo van montando los editores, y aunque parezca mentira, este es el caso de casi todo los directores… por ejemplo Spielberg o Tarantino lo hacen así.

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Pero hoy quería resaltar la figura de Sally Menke la responsable de que el cine de Quentin Tarantino saliera tan bien como nos acostumbró a ver.

Sally fue la montadora de Quentin desde el principio y hasta 2010, donde falleció por causa de una ola de calor a los 56 años en Los Angeles. Ella fue la responsable de los tiempos en planos que tan famoso hizo a Quentin… planos largos donde a veces el contra-plano brillaba por su ausencia, y algunos planos secuencia que a muchos nos dejaron con el culo torcío allá por 1992 con “Reservoir Dogs”.

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Para que nos entendamos, el cine de Tarantino quedó huérfano de editora en ”Malditos Bastardos” (2009), y si os fijáis, en sus dos últimas películas falta el toque Sally… no sé bien en que, pues Quentin da indicaciones de esos tiempos y de lo que quiere que se vea, pero algo falta, y se nota…. El montaje de Sally era una pieza que encajaba a la perfección con Tarantino, e incluso en los extras de Malditos Bastardos podéis ver una dedicatoria donde los claquetistas mandaban mensajes escritos tras la claqueta, donde le decían cosas como: “vamos Sally, esta es buena!”, o “Sally te queremos!”, en esa, y en películas anteriores del director, en forma de recopilación y de homenaje a su figura.

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Sally era muy querida por Quentin, y supongo que debió ser un gran palo tanto en lo personal como en lo profesional… Las riendas las cogió el asistente de edición Fred Raskin, quien se ha encargado de las últimas dos películas de Tarantino (Django y Los Odiosos Ocho).

En fin… La vida no entiende de cine, aunque el cine entienda tanto de la vida.

 

LEAVING LAS VEGAS (Nicolas Cage en algún momento de su carrera)

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Tal vez en 1995 esta película fuera algo extraña para los industrializados ojos hollywoodenses de los espectadores, pues Mike Figgis llevó a la pantalla la novela de John O’Brien de una forma totalmente distinta a lo que se acostumbraba ver en las salas de cine por aquella época.

Cámara a hombro, película de grano denso, y planos mareantes para profundizar en el suicidio alcoholizado de un Nicolas Cage que le valió el Oscar de la academia, y le catapultó al cine mayor de Hollywood durante un largo periodo de tiempo, siendo uno de los actores mejores pagados en algún momento de su carrera.

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Una especia de “Pretty Woman” (1990) pero realista y crudo hasta rayar el cine europeo. Con personajes destructivos que a medida que avanza la película descompensan la balanza…. La prostituta parece redimirse, y el borracho no abandona la idea de la muerte.

Sin ahondar en el por qué de su desdicha, su director parece bailar al son de una música que acompasa perfectamente a sus actores, y describe con maestría un amor condenado a la tragedia del que terminas siendo cómplice.

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Leaving Las Vegas es a día de hoy un clásico donde Nicolas Cage permanece gratamente en la memoria de todos. Y que nos recuerda que en cualquier momento puede volver a darnos una alegría, saliendo del montón de películas deleznables en las que lleva un tiempo enterrado.

VAN DAMME vs SEAGAL (malos rollos)

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En el cine existe la envidia y por ello la competitividad entre actores, directores etc… de esto no se habla nunca porque aparenta ser siempre un gremio que se apoya y protege, pero la realidad no es esa.

Steven Seagal y Jean Claude Van Damme fueron el ejemplo del mal rollo en los años 80 / 90, cuando su carrera iba viento en popa gracias al consumo de cine de acción de artes marciales. Buceando por la red encontré este pequeño reportaje de la televisión EITB (Radio Televisión Vasca) donde explican muy bien los roces entre estos dos actores del cine de acción.

No tiene desperdicio.

 

CARANDIRU (la masacre)

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Hector Babenco se llevó la palma de Oro en Cannes 2003 con este film, que nos narra la vida de sus presidiarios en la cárcel de Carandiru (Brasil) hasta la masacre que aconteció, y por la que se hizo famosa.

La película se sacude el drama para dar la versión más simpática de los presos que allí conviven en una pequeña ciudad de nada más y nada menos que 7500 presidiarios, nada que ver con las cárceles europeas de 5 estrellas.

Babenco se centra en los personajes más característicos, y se retrotrae a sus vidas anteriores fuera de la cárcel para enseñarnos como fueron arrestados, y descubrir sus crímenes.

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Una fotografía muy cuidada, personajes muy trabajados, y la escasez de banda sonora, son muy destacables en este film de dos horas y media donde nos enseñan a parte de todo, como se sobrevive en una cárcel de este calibre.

Podemos decir que nos enfrentamos a una cinta dramática, que ofrece personajes desenfadados y simpáticos que llegan a caer bien al espectador, para después ofrecer una matanza cruda y salvaje donde pensamos que morirán junto con el resto de presos desconocidos para nosotros… pero no lo hacen, son testigos de aquello, y lo narran en primera persona durante las escenas más sangrientas. Tal vez el director no quiso arrancar la lágrima al espectador, pero en mi opinión, salvar a todos los protagonistas, es un error.

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Hablamos de una film carcelario muy inteligente, muy bien dirigido, donde el mimo del Babenco se denota en cada plano, y que tiene un cierto regustillo a “Ciudad de Dios “ (Cidade de Deus – 2002) en cuanto a aspecto se refiere, pero será sin duda pura casualidad, pues las dos películas se debieron de rodar casi a la par.

Interesante film si os gustan las historias de presos.

CONVICTO (19 años de rabia)

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El cine carcelario siempre ha sido bastante divertido, las cárceles son lugares donde se han construido algunos de los personajes más interesantes que aun perduran en nuestra memoria… como “Cadena Perpetua” (The Shawshank Redemption – 1994), o la infravalorada “Encerrado” (Lock Up – 1989) con un Frank Leone interpretado maravillosamente por Stallone… A día de hoy series de éxito como “Prison Break” o “The Orange is the New Black” siguen dando vida a este formato tan interesante.

En este caso el director británico David Mackenzie nos sumerge en una prisión de alta seguridad donde un joven de 19 años muy violento, y que viene de un pasado de reformatorios y vivencias algo turbias, se las debe ver con la vida en la cárcel de adultos, allí quiere demostrar su grado de violencia y monta algunas escenas para llevar a cabo dicha demostración de liderazgo.

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La cinta lleva una línea dramática con escenas que pretenden salirse de lo habitual, y se centra en el comportamiento del joven (Jack O’Connell) durante su estancia, el cual, a pesar de su indomable actitud enloquecida, hace esfuerzos por integrarse mediante un grupo de “control de ira” que hay en el centro, en el cual se terminará centrando la historia.

Se trata de una película con dosis de acción violenta, que no nos llevan al trillado espectáculo circense de tíos cachas dándose de hostias en una prisión americana… Los estereotipos son eliminados con delicadeza, y dejan al descubierto algo más humano, más realista, y por lo tanto mucho más digerible para los que precisamos de drama fiel a la realidad en este tipo de tramas.

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El guion de Jonathan Asser incluye la figura del padre del chico, el cual es un interno “reputado”, y con el que sufre una relación de amor odio que va ofreciendo alguna que otra sorpresa. Un padre que pretende enseñar a comportarse a su hijo en la cárcel, para poder salir de allí sin ampliación de pena.

Tal vez el final sea algo excesivo, algo desbordado en cuanto al realismo del que hablaba antes, pero es una licencia que el cine debe dar, pues es cierto que a veces los finales abiertos, o seguir la línea de lo “correcto”, puede ser demasiado aburrido y decepcionante.

Si os gusta el cine carcelario, esta cinta es indispensable.